2021年，陳三火以73歲之齡獲頒文化部國家重要傳統工藝剪黏保存者之「人間國寶」；同年，再獲「國家工藝成就獎」殊榮。這樣的榮譽，距離他初入剪黏之門的17歲整整56年；而距離他在兄長兼良師世逸過世後、決心嘗試剪黏自由創作，並完成「以摃代剪」的首件〈達摩〉之作，則也歷經了18年的探討。同樣是從事傳統工藝，陳三火為何能在芸芸眾生中，特別是在充滿時代媒材變遷挑戰的剪黏藝項中凸顯而出，既維持了剪黏的精神本質，又創新了藝匠的技法、跨越了傳統的拘限、開闊了表現的領域？ 陳三火的藝匠生命，歸根究底，就是來自一個永不被淹沒的高度「自覺」：隨時清楚自己遭遇的困境、隨時思索可能的解方，既不被環境打敗，也不被當下的成就束縛，不斷突破、不斷超越……；即使在已經獲得「人間國寶」、「國家工藝成就獎」這樣的榮譽，他的創作能量，仍然有增無減，真正是「三火」興旺、靈泉不斷、佳構迭現。作為一位出生貧寒的鄉下小孩，初中畢業後便追隨兄長學習剪黏，開始學徒生活；但在自己54歲那年，兄長過世，自己甚至連續參與三處工程降價招標均告失敗，使他重新思考：長期工作的意義何在？ 有一天人走了，是不是一切也就被人遺忘？ 這段賦閒在家的日子，反而讓他深自思考、重新調整創作的腳步，而有了「以摃代剪」的新思維，進而開始了「創作」而非「製作」的藝匠坦途，也讓他的舞臺，從傳統的廟宇，走進了現代的美術館。傳統藝師，「製作」重在技藝，形式上因襲陳習，不敢有太大的改變，視「傳統」為最高的典範；但現代的藝匠，兼融「創意」，不僅題材可能創新，技法更不斷更新、改進，讓「傳統」的面貌獲得更為多元的表現，內涵也大幅擴展。在此，「創意」成為「傳統」再生的重要動力，而非破壞或阻斷傳統的殺手。從歷史的事實考察，沒有一項「傳統」藝術不是隨著時代而更新的。就表演藝術言，傳統的「掌中戲」，因社會型態的改變，影響表演場地的改變，接著場地的改變，也影響了觀眾接收、欣賞的方式，以及表演形式、戲偶大小的改變；因此，從「掌中戲」變成「布袋戲」，從「布袋戲」轉成「金光戲」，再從「金光戲」變成「霹靂戲」……。而今日多為女子演出、乃至反串「小生」的「歌仔戲」，則是源於全由男性擔綱的「子弟戲」。在傳統工藝上，最明顯的是工具的改變，特別是「電動」工具的加入，不論切、割、劈、磨……，都不再一定由「純手工」完成；木工、石雕、玉雕等如此，剪黏亦在工具與材料的改變下，產生了新的面貌與發展。「由技入藝、由藝進道。」是陳三火最鮮明的寫照，他的當代剪黏，發揮了高度媒材趣味、表現了強烈的動感，讓原本屬於半圓雕的剪黏工藝，走向了全立體的造型，同時在創新的題材中，時時展現自由、無拘、引人深思的幽默感；而「隨緣不隨我」的創作思維，更成就了一代巨匠的不凡風範。臺南市文化資產管理處委託年輕的學者陳志昌等人，以多年的研究，為陳三火的一生，作了歷史性的考證、整理，從師承、技法、創作、作品特色等，進行了深入的剖析與詮釋，是臺灣工藝研究的重要典範，名匠、名著，值得大力推薦。 國立成功大學歷史系所名譽教授、臺灣美術史學者蕭瓊瑞

若有關注自由副刊臉書的朋友，就會不時地發現「龔萬輝」這個名字。他大多在自由副刊的帖文裡，都是以畫家的身份出現；而他不畫畫的時候，是一名寫散文，也寫小說的馬來西亞華人文學作家，有時候甚至會忘了，他是美術專業出身的。 2022年，龔萬輝由國藝會補助的首部長篇小說《人工少女》，分別由台灣寶瓶和馬來西亞有人出版，從封面設計到文字，皆為他一人操刀。這本小說一經推出，便深受讀者支持，在台馬兩地熱賣。而他的作品如此吸引讀者，正是因為他繪畫與文字的魅力。 （圖一：龔萬輝於2022年台馬同步出版的首部長篇小說《人工少女》，左邊為馬來西亞有人出版；右邊為台灣寶瓶出版。照片來源：龔萬輝臉書） 幾年前我有幸與友人一起拜訪龔萬輝及他同樣是馬華作家的妻子翁菀君。記憶中的他不多話，有話的時候聲音也是輕輕飄過，臉上總是掛著微笑，整個人都是溫柔的，如水一般，正如他擅長的水彩。很少男性作家是如此的溫柔——他在他的文字和美術創作中也一併延續了他的個性，用筆觸的柔軟，書寫、繪畫。 （有時候筆者忍不住在想，龔萬輝現實中的說話流量是不是都給了網路世界。如果按下追踪龔萬輝臉書的按鍵，便可以經常看到，他用最頻繁的速度在朋友們的帖文寫下最有梗的爆笑留言。或許他其實還有另一個「幹話王」的隱藏身份。） （圖二：龔萬輝為馬來西亞詩曲專輯《神秘之歌》進行專輯封面與插畫手繪。《神秘之歌》以「文字先行」為概念，結合現代詩、流行樂、古典樂、傳統樂，甚至馬來半島最古老的瑪蓉樂(Mak Yong)，在音樂創作上擁有驚人的突破。照片來源：龔萬輝臉書） ▋ 把想像安放在書中 龔萬輝的繪畫，某種程度上影響了年少時的我。 彼時還在念國中的我，因為投稿需求，常會參考許多畫家的畫風進行創作，而龔萬輝的插畫在報刊中顯得格外奪目。當時的我尤其喜歡他畫的少女與藤蔓，彷彿在水彩的渲染之中活了過來。 而我也喜歡他常把他筆下的人物，運用不同的意象穿插在投稿者的文章中，具有閃閃發光的隱喻，非常耐人尋味。這樣的耐人尋味，當然也展現在他的新作品當中。 （圖三：龔萬輝繪，張永修〈窩在報館的那些日子〉，刊登於2023/07/06台灣《聯合報》副刊。） （圖四：龔萬輝繪，謝明成〈如行的話〉，刊登於2016/12/18 《星洲日報》副刊文藝春秋版。） 2024年的7月，他以作家與畫家這兩重身份，出版了插畫作品集《如光如影Ⅱ》。繼第一部《如光如影》，龔萬輝又帶著他在網路和報刊中散落多年的文字和繪畫，依照時間順序，將它們重新整理，讓它們歸屬於書的形式之中。 本書以「時間」為主題，全彩印刷，收錄了作者2017年至2024年之間的插畫作品九十六幅，以及五十四篇未登刊過的短文和詩。 （圖五、圖六：《如光如影Ⅱ》內容節選：〈星空〉〈無人知曉〉〈巴黎的雪〉。） 把多年來那些曾經離散網路各處的字句捕撈回來，依著時序，和這些畫作並置在一起， 或許它們就會在某個點上交匯。圖像和文字對我來說，像是鋼琴間隔的黑白鍵，也就有了彼此獨立又彼此牽連、如光如影的意味。那麼，當它們都被印刷出來，變成一本書，似乎也是默默而自覺地抵抗著，日常的易逝。 龔萬輝在作者自序〈想像一本書的樣子〉中如此寫道。 「或許因此，我想像這些畫作和文字變成一本書的樣子，可以被拿在手中，被翻頁、被擁抱；可以被丟棄、被愛惜。」 那些虛擬的事物書如此的不真實，許多在雲端上的資料會隨著網站的消失、審查的未通過而不復存在，龔萬輝之所以選擇將文字保存於紙本中，不過是想讓它們以更久遠的方式存在，讓它們以讀者手中的溫度相互取暖。 （圖七：龔萬輝水彩畫作〈時光標本〉2019年7月於檳城Gehrig Art Gallery展出。） 許多台灣人或許對馬華文學作家似乎沒有多少概念，只有李永平、黎紫書、張貴興、黃錦樹、張錦忠、「季風帶」創辦人林韋地、馬尼尼為等這些名字才能讓人想起他們的身份。而實際上，在馬來西亞，還有許多優秀作家，龔萬輝就是其中一個。 如果你看到這裡，也喜歡上龔萬輝的繪畫和文字風格，那這本圖文並茂的《如光如影Ⅱ》插畫作品集便是入門的首選。 《如光如影Ⅱ》沒有艱澀難懂的字句，只有幫生活增添溫潤的詩意。 （*本文中照片與繪畫皆獲作者授權同意刊登。）

很高興知道尚文兄有意將他過去四十多年來在魚拓方面鑽研的心得和經驗，編撰成書公諸於世，也為他一生致力於魚拓藝術創作及教學推廣的經歷，留下可供後人傳承與學習的機會。這本書的出版，正可以彌補目前坊間很難找到一本內容既豐富完整，又有多幀精彩魚拓作品的好書。我個人對魚拓藝術是外行，只能從外行人來看門道，若從科學的角度來判斷一幅魚拓作品的好壞，應是從魚拓作品在色彩呈現上的真實性，和魚兒的泳姿是否自然鮮活來做評價。尚文兄的作品迄今仍然是我看過許多不同創作者作品中最為出色的一位，因此相信這本由他親自介紹魚拓技術和技巧的書，是對魚拓有興趣的朋友們最值得買來閱讀的一本教材。 記得三十多年前在剛認識他時，是我生平第一次看到彩色魚拓的作品，真是令我讚嘆不已。沒想到這些魚兒竟然可以用拓印的方式，把物種原來的體色和姿態拓印到紙上，還能夠呈現得如此維妙維肖丶栩栩如生，逼真程度宛如一張水底魚類的生態攝影作品，當然也打破了我過去一直以為魚拓和古時候的「拓印」、「拓碑」一樣，只有黑白而沒有彩色的錯誤印象。尚文兄的魚拓作品為何會如此生動自然、意境高超，當然這和他自身具有深厚的藝術修養有關。他在藝術和文創方面可謂才華洋溢，不只是表現在他的魚拓藝術作品上，從他所設計的禮品、獎牌樣式，或是他近年來在臺灣各地旅遊所拍攝的絕美照片，都可得到印證。 我有幸認識尚文兄，也是因為魚是我們共同興趣和使用材料，只是他拿來創作魚拓，我拿來做學術研究。1984年我學成回國後，就開始投入臺灣魚類分類和生態的調查研究，因為是當時國內最早利用水肺潛水，到珊瑚礁區調查魚類生態的學者，所以很容易發現並發表許多魚類的新種和臺灣的新紀錄種，較有機會被媒體關注和報導。到了 1990 年代，個人所建立的「臺灣魚類資料庫」也吸引了許多喜愛魚類或是仰賴魚類為生的朋友們，包括釣友丶潛水賞魚及攝影丶漁民丶觀賞魚業者、從事魚類文創或學術研究的朋友們，上網來查閱魚種資料。相信尚文兄也是透過資料庫的使用而先認識了我。1991 年青商會所舉辦的第二十九屆十大傑出青年選拔，尚文兄正好是該屆選拔籌備會的前一任總幹事，而他的夫人分配擔任我的訪問員，也因此對於我的參選特別關心。回想起來，我當年有幸獲選為第二十九屆的十傑，尚文兄應該也是我人生中的貴人之一。 臺灣是生物多樣性之島，我們的物種多樣性十分豐富，單是魚類就已經高達 3200 多種，占了全球魚類種類的十分之一。但是臺灣原本豐富的漁業資源在過去這四丶五十年內，由於過度捕撈丶汙染丶棲地破壞及氣候變遷等各種原因，已使得許多魚種的數量都在大幅減少。從豐富、常見變成偶見或罕見，甚至於消失或是滅絕，其中有半數種類大概很難再有機會被發現或採獲。長此以往，如果大家再不共同努力來推動海洋保育和復育工作，那麼很可能到了 2050 年代，就會如科學家所預言，海裡將會沒有野生的魚類可供食用，潛水也看不到美麗的珊瑚礁魚類，科學家做研究也找不到魚的材料，魚拓藝術也會因為沒有了野生魚類，只剩下少數養殖的種類而逐漸沒落。這就是不永續，因為我們沒有把老天賜給臺灣的遺產，原封不動地留給下一代。為了要改善過度捕撈以及非法捕撈的問題，我們曾在十年前開始推動《臺灣的海鮮選擇指南》，希望透過消費者自己的覺醒和努力來吃對魚丶買對魚，對海洋保育作出貢獻。魚拓藝術的推廣，就是重振臺灣海洋文化最好的選項，也有助於改變過去大家都認為臺灣的海洋文化，就是海鮮文化的錯誤印象。

繪畫，是人類文明的珍貴產物，在畫裡，畫家透過美學的視野，向時代發聲。儘管許多畫家遵從權威和傳統，但那些經久不衰且被譽為經典的作品，往往來自於那些敢於挑戰和批判的創作者。因為，透過這些作品，我們能觀察到思潮的更迭和文化的興衰。 從中世紀末到16世紀的文藝復興運動，藝術從關心宗教信仰，逐漸轉變為對現世的關注；即便是源自《聖經》或神話的題材，也融入了現實意義和人文精神。隨著以佛羅倫斯為中心的文藝復興逐漸式微，北方文藝復興在阿爾卑斯山以北地區興起，並發展出獨特的風格。 進入17世紀，巴洛克風格的興起反映了更自由的世俗活力，以生動大膽的表現和明顯的光影對比著稱。18世紀的洛可可風格則源於法國上流社會的奢侈生活，其作品中的鮮明色彩和精緻線條表達了一種隱晦的慾望。這一時期的藝術推動了法國大革命的爆發，並隨著革命的進展，新古典主義應運而生，拋棄了早期的浮華，試圖恢復古希臘和羅馬的和諧與簡潔美學。 19世紀見證了浪漫主義與寫實主義的興起。浪漫主義強調對歷史和自然的熱愛，情感豐富，與新古典主義的冷靜節制形成對比。而隨著工業化的推進，寫實主義關注社會生活的變遷，反映了現實中的日常生活。一反浪漫主義的煽情與浮誇。19世紀末，攝影技術的發展使得繪畫從實用功能轉向追求純粹的美學感受，印象主義因此崛起，標誌著藝術從傳統走向現代的重要轉折。 19世紀末，攝影技術的發展使得繪畫從實用功能轉向追求純粹的美學感受，印象主義因此崛起，是藝術由傳統走向現代的轉折起點。 19、20 世紀之交，戰爭與工業帶來思想的劇變，催生了存在主義哲學。藝術家認為，必須深入挖掘內心的潛意識，向舊的風格、形式與經驗挑戰，才能突破傳統窠臼，以達到藝術的獨立性。繪畫從此走向百家爭鳴的時代，不再服膺於同一套標準與視野。 ———《世界名畫鑑賞入門：品味101幅西洋藝術經典之美》

接到好友培園邀請推薦《那一天》的信時，我剛結束在巴黎半個月的「閒逛者」奢侈日子。疫情猶在、而早已沒人戴口罩的初秋的巴黎，少了過往蜂擁於各景點的中國觀光客（他們正受苦於封城鎖國的防疫清零政策），但巴黎街頭的咖啡館與市中心的戶外餐飲店家，仍夜夜笙歌座無虛席。 人們緊挨著彼此熱烈交談、用餐、喝咖啡，像是疫情不曾在這個城市發生過，也好像巴黎永遠展現著這般歡樂的景象。 在這本攝影作品選集中，巴黎攝影家羅尼斯（Willy Ronis）描寫每個「那一天」裡的美好邂逅、意外與驚喜、溫暖或讓人低迴的瞬間，環繞這些影像瞬間的小故事，或拍攝它們的概念與手法。作品質量和知名度可與布列松（H. Cartier-Bresson）、布拉塞（Brassaï）、杜瓦諾（R. Doisneau）等量齊觀的羅尼斯，如同這些法國二十世紀中葉前後的知名攝影家，以及同時期許多馬格蘭攝影師，有著新聞攝影記者對「決定性瞬間」敏捷的觀察和攫取能力，以及那個年代普遍存在的某種人文主義氣質。這種人文氣質並非內建於紀實攝影的藝術表現之中，而是有它的特定時代因素。羅尼斯與他的法國同儕，開始活躍於二戰結束之後，那是歐洲經濟凋敝、百廢待興的年代；法國從納粹德國的數年佔領中解放，更珍惜重回自由的喜悅。極權佔領者製造的長久壓抑之後，巴黎人要奮力恢復往日的生活情調，與作為人的意義和尊嚴，攝影師們也希望表達日常生活與空間裡的各種細節，和人性的溫馨光澤，為戰後的社會與國家重建賦予希望和動力。 作為東歐猶太人移民之子的羅尼斯，對於他出生的巴黎感情很深，如同所有熱愛這個城市的巴黎人。《那一天》的多數作品，攝自一九四○年代的最後幾年，一些影像反映著戰後物資缺乏、生活簡樸的巴黎，同時再現各個生活角落裡積極迎向新生活的人們的樂觀神情。藝術橋上的情侶、賣薯條的兩女孩、孚日廣場穿廊的街頭音樂家、「于謝特地窖」爵士酒吧外群聚不想回家的叛逆青少年……羅尼斯甚至為了營造「巴黎小男孩」的陽光形象，請一名夾著法國長棍麵包的小男孩來回跑了三趟。依紀實攝影的古典規範，這也許踩到了專業倫理問題。但對一位熱愛巴黎、認定這是法國日常景象的羅尼斯而言，誰曰不宜？ 七十多年後，我漫步巴黎街頭，穿梭在不同的行政區，從地標、場景、視覺經驗到生活方式，許多被羅尼斯影像凍結的巴黎似乎恆在：塞納河幾座新舊橋上橋下戀人約會的巴黎；孚日廣場與羅浮宮穿廊下音樂系學生街頭演出賺零用錢的巴黎；從龐畢度頂樓眺望鐵塔與聖心堂的巴黎；「于謝特地窖」爵士酒吧裡每晚擠著觀光客（朋友替我訂的短租老公寓剛好在它隔壁街），與附近的聖母院挺立了八百年的巴黎；還有，餐廳咖啡館裡仍幾乎沒有人滑手機，他們或者看書、多半在熱烈專注地交談的巴黎…… 不過，攝自二十世紀中葉以降的《那一天》，沒有機會看到今日巴黎的變化。例如，從猶太社區仕紳化的瑪黑區，曾經充滿各式情調的小店小館，也許受疫情衝擊，現在多已不見蹤跡，而是被大量令人乏味的名牌精品服飾店佔領。或者，新舊移民和難民成為新巴黎人的一個主要成員，很大比例的「老巴黎」早已陸續離開，住在外圍衛星城市或他處，等等。 羅尼斯在上個世紀中葉起的巴黎影像，特別是那些溫婉如詩的私影像，來自他的真實生活經驗，也永恆凍結在人們的視覺傳承與複製之中。由時間與空間的影像碎片集結而成的巴黎影像散文詩，深情訴說著對一個特定時代的美好情感與記憶。但也可能特別是巴黎，讓閱讀這個城市影像的人，受各種外在與內在因素牽引，而將一個特定時代的情感與記憶普遍化，甚至浪漫化，成為對巴黎的某種單一投射。聰明的攝影閱讀者，汲取了攝影作品中人性的溫潤和藝術的風采，也會保留對巴黎作為多樣、迷人、複雜、時而混亂之當代法國城市的認識空間。

【前言】秋榮大原先是建築師，在中年低潮期放下工作，有時走在街上，有時窩在咖啡館與圖書館，畫起速寫。 就這樣逐漸地走出低潮，還意外地結交了好多朋友。 他出場的那一天，我懂了什麼是天注定。 會發現秋榮大這個人，跟我人生的一段插曲有關。時值五十一歲叛逆期，同一份工作做了二十二年，某段時間很想學學「家庭主婦或是文青少女」，大白天去上才藝班，體嘗一下慢活的滋味。透過朋友的推薦，我報名了劉旭恭老師的繪本班，聽說那個繪本班「完全沒有壓力」，而且「很療癒」。果然，這一班沒有在教學，都在交流，而且舊生佔多數，彼此熟捻。 第四堂課過了一半時，一位戴帽子的阿伯，腋下夾著作品走進教室，幾位同學跟他招手，老師還特別停住話，招呼了他——這人就是秋榮大。那天他等同學都發表完作品了，才攤開簿子，跟我們講了一個虛擬手機品牌的故事。我一眼望去，就覺得他畫得好，而且故事聽起來挺有創意的。這時候，我不是往前擠，而是退了幾步，觀察到本班同學從未這樣專心過，大家全都起立，圍到大桌子去，而且聽得津津有味。 秋榮大的謙虛和老派是我最喜歡他的兩件事情。謙虛，是每次碰面都會感受到的。沒有架子，不會自我防備與自我吹捧，我們談任何事情，秋榮大總是讓我感到平和與自在。印象最深刻的是，要簽出版合約時，他聽完出版流程與合約條件說明後，跟我說：「如果書稿拿去書店採購那邊，萬一不被看好，導致下單量太少，我還可以再退讓一點喔！」我疑惑地問他：「什麼意思？」原來他是說，萬一各家書店採購不看好他，不出也沒有關係。 出版再讓我多做二十年，仍不可能出現第二個人像他這樣謙虛又客氣的人。 再說老派：秋榮大習慣早起，在咖啡館速寫完，也才八點多，如果跟太雅有約，他九點半就會出現在公司門口，跟我們一起打卡。除了老人，不會喜歡這樣早開會。又，泡茶給他喝時，雖然是日本帶回來的茶，但不算是高級品，他喝了一口之後，狀似沉思五秒，然後問我：「這茶很好耶～是熟茶嗎？」我初次被他搞得很尷尬。又一次請他吃飯，秋榮大吃了第一口，就誇獎說「這媲美米其林啊！我一定要再來吃！」越來越有經驗後，秋榮大每次「禮貌性誇大」時，我就會哈哈大笑。我事後回味，我懷疑這是「禮貌」的極致表現，心裡忍不住說：「這種內斂的誇張演技，讓人感覺好舒服，老派哲學挺棒的，我得好好學。」 如果你熟悉〈熟年優雅學院〉，這個我創辦的品牌，應該會記得我主張「人生要越活越美麗」，秋榮大原先是建築師，在中年低潮期放下工作，有時走在街上，有時窩在咖啡館與圖書館，畫起速寫。就這樣逐漸地走出低潮，還意外地結交了好多朋友。 這本書裡面的生活記事，老派又療癒，是別人學不來也呈現不出的內心獨白。我想起另一位寫作的朋友說的，人越熟成，就越要有「智慧、幽默、優雅」這三點，我認為秋榮大都具備了。 我曾經參加過一次繪本班的結業成果展，大家在布展的那一天，每個人手忙腳亂在布置作品，一看見秋榮大一派悠閒出現在會場，這時女性同學不分老少，紛紛放下自己的布展，跑去跟秋榮大哈拉和拍照。我承認謙遜與老派挺迷人，但是優雅阿伯在本班紅成這樣子，到底要怎樣解釋？我決定這篇出版人的幕後故事，就取名叫做「他出場的那一天，我懂了什麼是天注定」。 我很希望他在臺灣書店出場時，您也同我一樣感受到「這是天注定」的相遇。

「河海不擇細流，故能就其深」，海納萬物，故能資源豐沛。臺灣鄰接之海域是上天賜予我們的寶藏，這裡有豐富的漁場，也有充沛的資源。千百年以來，臺灣島上住民利用海洋，從中獲取食物與資源，也感染了海洋習性，我們與大海搏鬥也與大海合作。傍海而居的臺灣各個族群，無論是食衣住行、信仰習俗或文化藝術，隨處可見海洋之影響。眾多海島元素中又以海洋生物扮演了一個至關重要角色，因為牠們不僅提供了我們物質糧食，甚至滿足了我們精神與文化層次。海洋及其繁多魚蝦文物不斷的出現在神話、傳說、宗教、歌謠與藝術繪畫創作中，豐富了我們的文化。 海洋藝術包羅萬象，魚拓是其中一種非常特殊與專門的藝術形式。它介於真實與想像之間，同時具備科學考據與人文創作。一般人對魚拓印象多來自釣魚世界，為了記錄戰果，釣客們將奮力拚搏釣上岸的稀有魚種拓印在紙上，留下一個珍貴記憶。但鮮為人知的是，除了記錄之外，魚拓也可以是一種純粹的藝術創作，而且也已經取得了極高的成果。 綜觀歷史，早在兩千多年前的東漢時期，拓印即已經被當成一種記錄與藝術形式，時至今日，儼然已成文化資產中一個重要支脈。不僅如此，拓印被更近一步轉換成以魚類為主體的－魚拓，發展至今也已經有一百多年了。這段期間，魚拓藝術不僅在原本就已經蓬勃發展的日本擁有廣大鑑賞群眾，同時在愈來愈多人從事這項藝術創作的臺灣，其魚拓藝術也愈形多元豐富。 臺灣魚拓藝術先行者－嚴尚文先生，多年來秉持著理想與理念，默默耕耘，努力地將其發揚光大，其踽踽獨行，從事魚拓藝術至今也已經超過四十個年頭了。每次聽他介紹魚拓製作過程都是一致敬佩，每一個步驟、每一個環節都是這麼地仔細認真，這就是臺灣人認真負責的具體表現。 在《魚拓自然-臺灣魚拓藝術》一書中，不僅記錄了魚蝦蟹貝詳實的一面，更增添了文人雅士藝術氣息，是一部結合自然與人文藝術之佳作，收錄作品精彩可期，絕對顛覆您對拓印藝術的想像。